ANGST
Ein Buch über Lähmung und Gesellschaft, Familie und Geschichte: Gabriele Barings »Die geheimen Ängste der Deutschen«

GEGEN ALLES
Protestfestival dort, Gegenveranstaltung hier – Gerhard Matzig hat das Buch zum Überalldagegen geschrieben: »Einfach nur dagegen« – das interessiert auch uns

OHNE GESICHT
Eine kleine Ausstellung am Meer: Fotos von Trine Søndergaard auf Föhr

Heinrich von Kleists Penthesilea ist kaum spielbar. Ein ungeheuerliches Stück, das an die Abgründe von Liebe, Gewalt und Zerrissenheit rührt. Goethe war entsetzt von diesem Horrordrama, ganz das Gegenstück seiner »verflucht humanen« Iphigenie.

Kleists Drama ist ein Meisterwerk der Sprache. Augen versuchen zu erzählen, was sie sehen. Die atemlosen Verse schießen wie ein Katarakt dahin. Das Schlachtfeld des Stückes ist eigentlich die Sprache.

Eine derartige ebenso verletzlich-zärtliche  wie aufbrausend-wütende Sprachgewaltmusik wie diese in der »Einrichtung« von Christina Ratka am Thalia in der Gaußstraße habe ich selten erlebt. Es ist die Macht des agonalen Kampfes, vor allem aber die des erotischen Begehrens, die als Unterdrückte sich in ungeheuerlichen Bildern und Vergleichen Bahn bricht und  einen Sprachraum verschafft.

Die Sprache ist wie ein wilder Fluß, der auf seinen schäumenden Wellen einen tanzenden bekränzten Nachen mit irr handelnden  Insassen vorantreibt. Noch heiter schön in der Schilderung des Rosenfests der Amazonen, erschüttert  beim Sterben der Mutter, dann aufjauchzend-erwartungsvoll in der  Begegnung mit dem »Lieben, Wilden, Süßen, Schrecklichen«, staunend-zärtlich in dem Ereiltwerden durch den Gott der Liebe, grausam kalt, gewalttätig im Aufbruch zum Kampf.

Patricia Ziolkowskas Penthesilea spricht das alles mit sich immer wieder steigernder Intensität, im Auf und Ab der sich widerstreitenden Gefühle, mit flammendem Blick, mit Geschrei und Geflüster. Die Musikalität der Kleistschen Verse blüht auf. Selbst dort,wo die schändliche Tötung und Abschlachtung des Achill  detailliert an der Grenze zur Perversität berichtet wird.

Ruth Klüger hat in einem Artikel darauf hingewiesen, dass Penthesilea sich mit ihrem nekrophil-perversen Verhalten von den Prinzipien des Amazonenstaats entfernt, deswegen auch das Entsetzen ihrer Gefährtinnen über ihr Verhalten. Ihr aggressives Handeln: Hunde hetzen auf den Geliebten und ihn Zerreißen als koitalen Liebesakt, korrespondiert dem Achills, der auch in seiner Schilderung von  Liebe die Hunde-Metapher verwendet. Beide begehen eine Tabu-Verletzung, Achill mit dem Schleifen des Leichnams Hektors, Penthesilea in ihrer tödlichen Liebes-Raserei.

Es ist ja  merkwürdig – die Schauspielerin spielt eigentlich nicht, sie steht hinter einem Pult, auf dem der Text liegt, in der unwirtlich ausschauenden Gaußstraßen-Garage. Aber in dem Flusse ihrer Sprechgewalt, in dem ernsthaften Blick dieser großen Tragödin, in ihren unterstützenden Gesten  geht einem die schreckliche Schönheit dieses Textes, dieses  Liebes-Trauma aus ferner und doch so naher Zeit ganz anders auf, als wenn es ein durchgespieltes Stück  mit Kostümen und Bühnenbild wäre.

Quälend-ungläubig Worte suchend für das Ungeheure, das sie getan: »Mit diesen kleinen Händen hätt ich ihn-? Und dieser Mund hier, der die Liebe schwellt. Ach zu ganz anderm Dienst gemacht, als ihn-Die hätten lustig stets einander helfend/Mund jetzt und Hand und Hand und wieder Mund-?«

Als sie begreift dass sie ihn zerrissen, nicht geküßt hat , spricht sie jene beängstigend naiven  Zeilen, die ich, seit ich sie zum ersten mal gelesen, nicht vergessen kann: »So war es ein Versehen. Küsse, Bisse/das reimt sich, und wer recht von Herzen liebt,/Kann schon das eine für das andre greifen.«

Dies nachgeholte Liebesbekenntnis führt zu einer fast pervers schönen Imagination – jemanden aus Liebe fressen: »Sieh her, als ich an deinem Halse hing/hab ichs wahrhaftig Wort für Wort getan./ Ich war nicht so verrückt als es wohl schien.«  Schwärmer, der ich bin, behaupte ich: wenn der Geheimrat Goethe Patricia Ziolkowska als Penthesilea erlebt und gehört hätte,  vielleicht hätte er sein negatives Urteil über das Stück revidiert.

Postskript: All sein Unglück und sein Glück, seine Verzweiflung und seine Hingabe hat der Dichter, dem nach eigener Aussage »auf Erden nicht zu helfen war«, in diese Figur gelegt. In den Sprachkaskaden gibt er der fatalen Liebeshemmung Ausdruck, die ihn und seine Heldin bedrängt. Als er in Henriette Vogel einen Menschen, eine Frau findet, die ihn zu verstehen scheint, ist es schon zu spät.  Sie feiern ein letztes Mal das Leben und lassen es dann los im gemeinsamen Selbstmord.

In der Todeslitanei der beiden, erst 100 Jahre später aufgefunden, drücken sie das aus, was sie im Leben nicht leben konnten: »O Liebste, wie nenn ich dich.« Man hätte diesen Penthesilea-Abend sicherlich auch mit dieser Litanei schönster Liebesnamen im Angesicht des Todes beenden können: »Mein Heinrich, mein Süßtönender, mein Hyazinthenbeet, …«  – »Mein Jettchen, mein Herzchen, mein Liebes, mein Lebenslicht, …«  Hier, in dieser blumigen Litanei und dem darauf folgenden Selbstmord erfüllt sich, was jener ungeheure Satz aus Goethes Wahlverwandtschaften benennt: »Wie ein Stern, der vom Himmel fällt, fuhr die Hoffnung über ihre Häupter hinweg.«

Der Sommer war heiß, das Gras nicht nur grün und der Mann mit dem Hut und der Gitarre sang. Die Jungs waren in Vietnam und in Rußland war es kalt. Es mußte etwas geschehen, überall, so konnte es nicht weitergehen.

You’ll be drenched to the bone/If your time to you/Is worth savin‹/Then you better start swimmin‹/Or you’ll sink like a stone/For the times they are a-changin‹.

Jahre später war der Winter verregnet, das Frühjahr ebenso. Der Mann mit dem Hut und der Gitarre sang wieder. In den Supermärkten standen Milchprodukte, die sich abwechselnd links und rechts drehen konnten. Die Jungs waren in Afghanistan und in den Wohnungen war es warm. Es mußte etwas geschehen, überall, so konnte es nicht weitergehen.

Diese Hoffnung schöpfte sicherlich auch der schwitzende Mann mit der unauffälligen Outdoorjacke in der kleinen Hotelbar. Angestrengt und sichtlich erregt krampfen seine Hände um ein Heftchen, das er anschließend zerreißt. Papierschnipsel rieseln zu Boden und dann folgt er seinen vier Mitstreitern und geht. Er geht schreiend.

Don’t stand in the doorway/Don’t block up the hall/For he that gets hurt/Will be he who has stalled

Eine Woche vorher bereits hatte sich eine Gruppe um den fast vergessenen Plauderer des deutschen Kulturfernsehens, Roger Willemsen, geschart, um endlich, im vierzehnten Jahr seines Bestehens, dieses Festival abzuschaffen und durch ein eigenes, natürlich viel Besseres zu ersetzen. Dazu bot man TV-Prominente einer Meinung auf.

Your old road is/Rapidly agin‹

Denn schließlich sei es doch vor allem wichtig, sich zu prüfen, vor welchen »Karren« man sich spannen ließe, so gab denn Willemsen schon einmal vorab im »Stern« bekannt. Man lese schließlich honorarfrei, nur für die gute Sache. Sagten alle übereinstimmend und kämpfen alle gegen die Vereinnahmung der Literatur durch den Kapitalismus, durch einen verachtungswürdigen Konzern. Das war das Thema dieses Festivals.

Come writers and critics/Who prophesize with your pen/And keep your eyes wide/The chance won’t come again

Essen müssen da anscheinend nur die, die auf der falschen Seite sind, eben woanders und nicht in Killesberg oder Schwabing oder Eppendorf den guten Barolo zu schätzen wissen. Und dort erinnert man sich gewiß gern an den 4. März 2003, als in der Hamburger Ausgabe der WELT zu lesen war, daß ein Mann  »mit seinem »Karneval der Tiere« Heiteres von heute zwischen die schwere Kost« eines Festivalprogramms brachte. Das Honorar war vierstellig.

The slow one now/Will later be fast/As the present now/Will later be past

Es ist der Vorabend des Beginns des anderen Festivals, jenes, auf dem Männerhände mit Papierschnipseln werfen. An diesem Abend aber geschehen nicht nur Empörungen vor ausgesuchtem Publikum, es sprechen auch der Literaturkritiker Werner Fuld, Festival-Kuratorin Barbara Heine und der Autor Matthias Göritz in ihrem literarischen Salon über Denkverbote und Bücherverbrennungen, Zensur und die Macht des Geschriebenen. Es ist der Anfang eines Programms, dessen Themen sich über 10 Tage ineinanderfügen.

Werner Fulds Buch ist ein Kompendium der Geistesgeschichte ex negativo und verleitet in nachaufklärerischer Zeit gelegentlich zum Schmunzeln über die dunklen, vergangenen Zeiten. Es ist dieses aber das starre Grinsen des Schreckens, dabei vergesse man  nicht, daß neben den Scheiterhaufen der brennenden Büche zuweilen auch die Autoren brannten, im Angesicht der Vernichtung ihrer Werke. Von anderen peinlichen Bestrafungen weiß Fuld auch zu berichten, die Geschichte der verbotenen Gedanken, die in Büchern niedergelegt wurden, ist voll davon. Aber geschadet hat es den Gedanken nicht, in der Regel war das verbotene Werk ein begehrtes Werk.

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Einer der in Deutschland stets in die Ecke des spitzweghaft-pittoresken gestellten Autoren ist Charles Dickens. Der Rest des Bildungsbürgertums noch »A Christmas Carol« und dann noch den Titel »David Copperfield« – alle anderen denken dabei eher an einen Las Vegas-Entertainer, der einmal mit einem deutschen Modemädchen liiert gewesen sein soll. Aber im englischsprachigen Raum ist der Erzähler und Romancier Charles Dickens ein Name wie Donnerhall. Er fehlt hierzulande, der Name wie das Werk.

In diese Lücke stößt Hans-Dieter Gelferts Biographie des Engländers, die er zusammen mit Matthias Göritz vorstellt. Im Programmheft steht etwas von Moderation. Das ist falsch. Der Autor und Dichter Göritz ist ein ebenbürtiger Gesprächspartner des Berliner Literaturprofessors. Was wie ein akademischer Dialog daherkommen mag, dazu noch in einem holzgetäfelten Vortragsraum der Staats– und Universitätsbibliothek mit dem Charme einer Anna-Viebrock-Bühne, ist in Wahrheit ein munteres Gespräch zweier Beschlagener und Begeisterter – der Dichter, der immer wieder aus Werk und Literatur extemporiert und neue Bezüge schafft, und der Experte, der frei stehend im Saal erzählt und aus seinem Buch zitiert. Das ist keine Lesung, es geht nicht um das Buch, es geht um einen anderen Autor, dessen erzählerische Meisterschaft und sozial-dichten Genrebeschreibungen nicht nur die beiden faszinieren. Dieser Autor muß gelesen werden, auch in Deutschland.

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Volker Hinz, einer der wichtigsten Photographen der alten Bunderepublik und vielgeehrt, hält Abstand. Ein paar Meter weiter sitzt ein kleiner Greis, mit einem auffallenden weißen Vollbart, einen braunroten Seidenschal locker über dem schwarzen Anzug gehängt. Er erzählt, seine Sprache ist Französisch, um ihn herum sitzen ein paar Menschen aus der Buch– und Verlagsszene, die ihm zuhören. Am nächsten Tag wird seine Tochter ein Buch vorstellen, das Buch seines Lebens.

Der alte Mann ist Adolfo Kaminsky, geboren 1925, das Buch heißt »Ein Fälscherleben«. Er hat ein Talent – das Talent, Papiere täuschend echt zu reproduzieren. Adolfo Kaminsky war der Meisterfälscher der Resistance, die Falschgeldfabrik der algerischen FLN, der Papierbeschaffer des Widerstands gegen fast alle Terrorregimes der Nachkriegszeit. Er verbrachte sein halbes Leben damit, mit diesen Papieren Menschen vor Verfolgung und Bedrohung zu retten, aber nahm nie Geld dafür.

Seine Tochter Sarah entdeckte seine Vergangenheit erst, als sie schon erwachsen war, und schrieb dieses Buch. Er sagt zu den Umsitzenden: »Vielleicht hilft ihr das Buch und meine Frau muß nicht mehr so viel arbeiten.« Ein paarmal nur löst die Kamera von Volker Hinz aus. Am nächsten Tag, auf der Veranstaltung, wird deutlich, daß es nur Momente sind, die ein Menschenleben in die eine oder andere Richtung bringen. Heldengeschichten entstehen nicht aus Absicht, sie passieren.

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»Da habe ich Hoffnung“, meint der Autor und Journalist Martin Häussler. Er hat eine ganze Reihe von mehr oder weniger bekannten Persönlichkeiten zum Thema Angst befragt, herausgekommen sind erstaunliche Portraits zu einem außerordentlich deutschen Thema, das inzwischen sprichwörtlich ist für eine bestimmte Art der kollektiven Reaktion und für das Zaudern angesichts großer Themen.

Seine Hoffnung fußt, ein wenig diffus, auf dem Public-Viewing– und Atomausstiegsdeutschland, auf dem Quentchen Bewegung im gesellschaftlichen Gefüge, das er wahrzunehmen glaubt. So heißt denn sein Reportageband auch »Fürchtet Euch nicht!« Seine Hoffnung ist aller Ehren wert.

Glaubt man allerdings der Familientherapeutin Gabriele Baring, dann ist die Hoffnung noch weit und der Deutsche hat noch viel zu tun in der Aufarbeitung seiner persönlichen wie gesellschaftlichen Ängste. Sie gehörte zu den Interviewten des Häussler-Buches und dieses Gespräch gab den Anstoß zu ihrem Buch »Die geheimen Ängste der Deutschen«. Gabriele Baring ist eine vehemente Vertreterin ihrer Thesen und auch ihrer Therapierichtung.

Sie ist Schülerin des umstrittenen Bert Hellinger, dessen systemische Familienaufstellungen kritische Gegnerschaft hervorruft. Fragen danach beantwortet sie eher ausweichend, allerdings – ob nun das Gegenmodell »Tetralemmaarbeit« oder Hellingers »Systemische Familienaufstellung« – tut das der Grundthese ihres Buches keinen Abbruch.

Baring hat in ihrer Praxis mit vielen Angstphänomenen zu tun gehabt, und sie beschreibt in vielen Fallbeispielen, wie sie durch ihre Aufstellungsarbeit mehr und mehr an Überzeugung gewinnt, alle diese Ängste seien innerfamiliär übertragen worden.

Ihr Thema sind die Kriegsenkel, die dritte Generation derer, die ihr Leben unter dem Schatten beider Weltkriege, die von deutschem Boden ausgingen, gestalten müssen. Gabriele Baring sieht jene aktuellen Ängste, die in ihrer Arbeit behandelt werden, in der Tradition der traumatisierten Vorfahren – die Enkel müssen die Phobien der Kriegsgenerationen aufarbeiten.

Diese Idee ist an sich nicht neu, schon vor 6 Jahren beschäftigte sich die Kölner Journalistin mit den »Kriegskindern« und den Folgen für die Nachgeborenen. Neu ist vor allem Barings Analyse der gesellschaftlichen Situation, deren Grundlage all diese übertragenen Traumata sind – übertragene Ängste als lähmendes Moment der deutschen Gesellschaft. Möglicherweise hat sie damit eines der wichtigsten Sachbücher dieser Jahre geschrieben, allen dogmatischen Disputen zum Trotz.

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Piraten, Piraten, Piraten. Natürlich denkt man bei einem, der mal Wired-Redakteur war, an die, die ein Dasein als Systemadministratoren haben und behaupten die Welt müsse transparent sein.

Und wenn dann der Roman auch noch eine Art Zukunftsvision mit digitaler Technik ist, noch mehr – Science-Fiction oder so, irgendwie cool, einer der über implantierte Kommunikationseinrichtungen schreibt. Doch Benjamin Stein ist kein Nerd und sein kleiner Roman »Replay“, eigentlich eher eine Erzählung, widersetzt sich hartnäckig den doofen Klischees, die man so gerne über Internet, Programmierer und all das diffuse Halbwissen über und in der »Netzwelt« verbreiten möchte.

Das Buch ist eine sprachlich ausgefeilte Versuchsanordnung zur Wirklichkeit und deren Wahrnehmung, Texte, die mit »Ich fürchte mich vor Erscheinungen, die ich nicht selbst erfunden habe« beginnen, und damit ihre Bedeutungs-Welt in einem Satz einkreisen, gehören nicht zu den schlechtesten. Und der Autor ist alles andere als eine Leitfigur des zur Zeit Modischen.

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»Hi, i’m Bob.« Wer so hemdsärmelig von einem Nobelpreisträger begrüßt wird, weiß, es handelt sich um genau die Spezies eloquenter amerikanischer Wissenschaftler, die der ernstnehmende Deutsche nicht kennen mag. Robert B. Laughlin hat 1998 einen Nobelpreis für Physik bekommen und er hat ein Buch geschrieben, das sich mir den Energieproblemen der Zukunft beschäftigt.

Ein kurzer Abriß – in der englischsprachigen Wissenschaftswelt heißt so etwas »Abstract« – mit ein paar eingängigen Folien muß dem deutschen Publikum als Einführung in das Thema reichen, dann geht es in die vom Wissenschaftsjournalisten Gerald Trauvetter (SPIEGEL) betreute Diskussion mit dem Publikum.

Die ebenfalls geladenene Greenpeace-Gründerin, ehemalige niedersächsische Umweltministerin und jetzige Kreuzfahrer-Mitarbeiterin Monika Griefahn hatte urplötzlich und völlig überraschend erfahren, daß sie genau an diesem Abend an einer Preisverleihung teilnehmen müsse und konnte deshalb nicht an diesem Gespräch teilnehmen.

Wobei Diskussion eigentlich zu viel gesagt ist, in klassisch sokratischer Frage– und Antworttechnik nimmt »Bob« gerne einmal eine Frage vorweg und beantwortet sie gleich. Kurz und knapp geht der Physiker die bekannten Energieerzeugungsformen mit seinem deutschen Publikum durch. Im Grunde sei das Gros der Energiegewinnung ja nur »Feuer«, also die Umwandlung von einem in den anderen Aggregatzustand, meint er, nichts Neues seit der Steinzeit, auch die Atomenergie fiele darunter. Die mache im übrigen unangenehmen Müll, den man nicht wegbekomme, das andere »Zeug« CO².

Windenergie sei prima, aber wehen täte ja auch nicht immer und der Energiebedarf moderner Industriegesellschaften sei eben konstant. Ein paar zaghafte Einwürfe kommen aus dem Publikum, ein paar der nicht ganz so wütenden Energiekonzernkritiker haben sich offenbar in die Veranstaltung gewagt. Und was denn mit Gezeitenkraftwerken sei, fragt da einer.

Liegt ja auch nahe, schließlich ist das Wasser nie weit entfernt in Hamburg. Ja, das sei eine gute Idee, meint der Physiker. Man wisse ja, daß die Erdrotation von der beweglichen Masse des Wassers auf der Erde abhängig sei, verursacht durch die Anziehungskraft des Mondes. Entziehe man diese Energie, würde sich die Erdrotation einfach verlangsamen. Das sei physikalisches Gesetz. Sie scheint nicht so einfach zu sein, die Sache mit der Energie, da müssen wir uns wohl noch was einfallen lassen.

And the first one now/Will later be last/For the times they are a-changin‹.

Und falls jemand fragt, ja, es ist Dylan.

Es gibt diese bezaubernde kleine Anekdote, dass der jüdische Kantor Sholom Secunda, als er mit seiner Frau spazierenging und diese über dieses und jenes und auch über ihr Aussehen klagte, er nur einen Satz zu sagen wußte: »Bay mir bistu sheyn«. Daraus wurde ein Lied und Patty, Maxine und LaVerne Andrews sangen es bis zu ihrem Lebensende.

Die ersten paar Ragtime-Takte sind ikonisch für das amerikanische Lebensgefühl der dreißiger und vierziger Jahre, die Zeit, in der die alte Welt von Diktatoren gebeutelt wurde und von der neuen gerettet werden sollte. Aus dieser Zeit stammen auch die Überhelden der amerikanischsten aller Literaturgattung, Comics. Captain America, Superman, Batman – alles Retter der Welt gegen Schurkerei und Größenwahn.

Und in der Regel verdanken diese Weltenretter ihre übermenschlichen Fähigkeiten – der düstere Ritter Batman ausgenommen – der Hoffnungstechnologie dieser Jahre, die schließlich auch das Kriegsende in ihrer über– und unmenschlichen Gewalt markierte, der Entdeckung der Kraft radioaktiver Strahlung, ein Wort, das Marie Curie erst wenige Jahre zuvor kreiert hatte.

Ganz und gar ohne Arg nahm man sich der neuen Energie an, dachte an saubere und immerwährende Kraft aus dem Nichts. Und fing an, Dinge zu nutzen, die strahlten. Daß eine Uhr im Dunkeln leuchten konnte, ohne dass eine Lampe darauf schien, war wunderbar und so gab es bald Fabriken, in denen Arbeiterinnen mit feinen Pinseln phosphoreszierende Farbe auf die Zifferblätter tupfte. Und wenn der Pinsel mal stumpf wurde, feuchtete man die Spitze zwischen den Lippen an, wie jedes Kind es mit seinem Tuschekasten macht. Die Frauen starben. Sie nannten sie Radium Girls.

Und was wäre, wenn die plötzlich die Stimme der American Wartime Girls, der drei Schwestern Andrews bekämen und dazu tanzten? Skurril? Vielleicht ein bißchen, aber wir sind inmitten der neuen Produktion der deutsch-schweizerischen Theaterensembles Mass & Fieber, inszeniert von Niklaus Helbling.

»Fall Out Girl« heißt sie und der Tanz der Radium Girls ist nur eine der unzähligen Nummern dieser kleine Revue, die sich aus dem Fundus amerikanischer Kulturindustrie bedient. Man muß sich schon ein bißchen auskennen oder hinterher nachschauen, um die tiefgestaffelten Verweise zwischen Comicwelt, Popkultur und Historie in Gänze zu durchschauen.

Fall Out Girl – der Begleiter des Superhelden Radioactive Man, den es wiederum nur im Universum der Simpson-Comics von Matt Groening gibt, heißt Fall Out Boy – jenes Fall Out Girl also ist das Alias von Mary Jane Watson, der Freundin von Peter Parker. Peter Parker ist Spiderman. Alles klar?

Jene junge Dame, Antonia Labs heißt die Schauspielerin von Mass & Fieber, begibt sich auf die Suche nach ihrem postapokalyptisch verschollenen Freund, an ihrer Seite der Musiker und Comicladenverkäufer (noch ein Verweis auf die Simpsons) Bartleby – ja, man denke auch an Herman Melvilles Zauderer – der im präradialen Zeitalter der Schauspieler und Musiker Johannes Geißer ist.

Der macht nicht nur die Bühnenmusik, sondern hat das, was nicht im American Songbook der Nachkriegszeit steht, zu großen Teilen selbst geschrieben.

Wer hier nun wessen Sidekick ist, ist indifferent und auch unerheblich für den Fluss des Stückes, das sich Revuenummer um Revuenummer nach vorne entwickelt, stets darauf bedacht, keine Pose adoleszenten Pseudostargetues zu umgehen und dabei auch keine Facette eines popatomaren Themenparks auszulassen scheint. Spidermann ist Unternehmer einer merkwürdigen Industriefirma, deren Werbejingles immer wieder mal eingespielt werden, und die irgendwas mit Rüstung und Spinnennetzen macht, es treten wahlweise und imaginierte Figuren aus Comics und der Literaturgeschichte auf, Lewis Caroll meets Marie Curie und so weiter und so fort.

Die Gitarren baumeln stets von mindestens einem der Hälse der beiden Darsteller herab, hier ein Dylan-Song, dort mal Love-Story-Thema. Ab und an wird ein Orson-Welles–Gott videographisch eingespielt, der Handlungsanweisungen und Lebensweisheiten von sich gibt. Irgendwann ist man im Kyffhäuser, in dem nicht Barbarossa, sondern Donald Duck thront, »ent«-sorgt, wie er kalauert. Und über allem schwebt ein riesengroßer, aufgeblasener Pikachu – ja, ein Pokémon, das elektrische Blitze verteilt. Bäng!

Und das alles funktioniert prächtig, es ist bunt, mal laut und mal leise. Die beiden Darsteller lassen es an nichts fehlen, singen und spielen sich lustvoll die Seele aus dem Leib, kaum kommt man einmal zu Atem ob des furiosen Tempos, das im letzten Drittel ein wenig nachzulassen scheint. Auf der Bühne sieht man übrigens neben den Beiden und allerlei graphic-reduziertem zweidimensionalem Requisitenkram nur ein einzelnes Versatzstück, einen Paravent, der als Projektionsfläche und für sonstige Prospektaufgaben genutzt wird.

In einem Land, in dessen Baumärkten die Geigerzähler ausgehen, wenn auf der anderen Seite der Erde ein Atomkraftwerk zerstört wird, ist die Haltung, die dieses Stück zeigt, längst überfällig.

Denn was da so großartig gelingt, ist die Entkleidung eines Dogmas, das sich inzwischen – vor allem in Deutschland – zu einer allein moralischen Kategorie entwickelt hat. Welche Hoffnungen und Visionen in der noch immer unbekannten Macht Radioaktivität gesehen wurden und welche Vorstellungen und Phobien diese generieren kann, all das ist ja auf der Bühne endlich in beiden Richtungen zu entdecken. Das ist wichtig, spektakulär und vor allem ungemein anregend für die thematische Auseinandersetzung, ohne das große Manko der Vereinnahmung durch dogmatische Fundamentalisten. Doch kein Glück ist perfekt.

Was man sich aber vielleicht noch wünschte, bei all dem großen Vergnügen am Virtuosen, am spielerischen Umgang mit den Topoi des Pop, mit den Visionen dieser imaginierten Strahlenwelt, wäre eine weitere Sphäre, die über den Gestus der Zweitverwertung, über das Zitat hinaus gehen kann. Das kann es nicht, dieses Stück. Das will es möglicherweise auch nicht. Und das muß es auch nicht, denn es ist tatsächlich eine Revue. Was schwerer wiegt, mag jeder für sich entscheiden.