Double Feature bis zum bitteren Ende

Ein Abend, zwei Col­la­gen. Eine über das Leben. Und eine über das Ster­ben. Jens Bluhm vom Wiener Max Rein­hardt Sem­i­nar set­zt sich in “In Euren Augen“ mit dem frem­den Blick auseinan­der. Als „Schaulust-Pro­jekt“ beze­ich­net er seine – zunächst schein­bar – lose Szenen­folge, die sich let­ztlich auf ganz wun­der­same Weise zu einem ver­schränk­ten Ganzen fügt.

Der rote Samtvorhang, lose an ein­er Wäscheleine befes­tigt, hebt sich zu Beginn nicht etwa, nein, eine junge Schaus­pielerin, die aus den Pub­likum­srei­hen kommt, stolpert in ihn hinein, reißt ihn zu Boden und stürzt. Sie gibt den Blick frei auf ein Sam­mel­suri­um aus Fen­stern, Spitzen­gar­di­nen, Wäscheleinen, Spiegeln, kurz: auf ein Archiv der Dinge, durch die wir hin­durch- und in die wir hinein­blick­en. Und da sehen wir Geschicht­en, wie der All­t­ag sie schreibt. Von der alten Dame, die beim Blick aus dem Fen­ster die Bäck­erei auf der gegenüber­liegen­den Straßen­seite ver­misst. Von der Tänz­erin, die sich die Maske vom Gesicht nimmt, kopf­schüt­tel­nd ins Pub­likum sieht und sagt: “Ich weiß nicht, wie das weit­erge­hen soll mit Ihnen und mir.” Von Par­ty­girls, die sich auf der Toi­lette tre­f­fen; und während die eine munter in den Mülleimer kotzt, spielt die andere mit ihrem Kau­gum­mi und sagt “Ich hat­te grad’ Sex auf dem Klo mit dem Pro­duzen­ten.” Die andere hört auf zu wür­gen, sieht got­ter­bärm­lich klein aus dabei und fragt ern­sthaft “Hast du schon mal auf dem Dach?” Und die erste sagt “Ne, ich bin eher der Klo­typ.”

Zu Voyeuren wer­den wir von Szenen, die wir nicht sehen wollen. Der Tier­stim­men-Experte, der vor dem Doku­men­ta­tions­film über das Paarungsver­hal­ten der Antilopen in den Pelz sein­er Gat­tin onaniert.  Um sich gle­ich danach in neuer Rolle ans Klavier zu set­zen und herzzer­reißend “For­ev­er Young” von Alphav­ille zu inter­pretieren, während die bei­den Damen des Dreier-Ensem­bles sich gekon­nt in Bor­d­stein­schwal­ben ver­wan­deln. Der Pas­sant, den sie hinein­lock­en möcht­en, ist wiederum der Tier­forsch­er, der eigentlich ins The­ater möchte. Und so gibt eine Szene die näch­ste, geben sich die Fig­uren die Klinke in die Hand, ziehen sich die Schaus­piel­er hin­ter den Spitzen­vorhän­gen um – und plöt­zlich ver­schränkt sich auf selt­same Weise die schöne Kun­st mit dem hässlichen Leben. Und die Voyeure sitzen im Pub­likum bei der Beobach­tung dieses munteren, ein wenig wiener­isch-mor­biden Reigens. Wenn dann die alte Dame vom Beginn durchs Fen­ster hin­durch abge­ht und den roten Samt hin­ter sich herzieht, ihren ganz per­sön­lichen let­zten Vorhang, entringt sich dem einen oder anderen Voyeur ein Seufz­er. Zum Glück bricht Bluhm die Melan­cholie, indem er die anderen Schaus­piel­er während­dessen ener­gisch die Bühne leer räu­men lässt. Der Vorhang kommt wieder an die Wäscheleine. Und der let­zte macht das Licht aus.

Eine halbe Stunde später: “Dreileben”, Beitrag der The­at­er­akademie Ham­burg. Das Konzept: Drei Studierende erzählen drei Lebens­geschicht­en, die nicht ihre sind. Es sind die Geschicht­en dreier Men­schen, die ster­ben wer­den. Sie sind im Hos­piz, in einem Alter­sheim, in ein­er Pri­vat­woh­nung. Regis­seur Ger­not Grünewald hat seine Schaus­piel­er zu ihnen geschickt. Er selb­st hat sie nicht getrof­fen, son­dern sich die Geschicht­en erzählen lassen und sie zu einem Ganzen mon­tiert, das – wenn wir ehrlich sind – kein Ganzes ist.  Dazu sind die Lebensen­twürfe und Ster­bens­geschicht­en der drei Men­schen auch viel zu unter­schiedlich.

Auf der Bühne ste­ht nicht viel, das sich zu einem Leben zusam­men­schus­tern ließe.

Fünf mit Gaze bespan­nte roll­bare Rah­men gibt es, die immer wieder unter­schiedlich ver­wen­det wer­den. Für Pro­jek­tio­nen. Als Wand. Als Schaus­piel­er-Guck­kas­ten. Was ger­ade so ein­fällt. Es wird viel ger­an­nt auf der Bühne. In Mikro­phone gehus­tet, geschnalzt, gesprochen, geloopt. Das volle Pro­gramm der tech­nis­chen Möglichkeit­en aus­getestet, aus Stühlen Türme gebaut. Manch­mal wirkt das beliebig. Manch­mal entste­hen ganz wun­der­same Assozi­a­tions­ket­ten und Bebilderun­gen für das Erzählte.

Die drei Studieren­den erforschen den Tod. Sie sind jung. Sie sind gesund. Und eine von ihnen ist sog­ar schwanger. Wie soll man da über den Tod erzählen? Aber sie tun es ein­fach. Sie horchen in ihre Inter­view-Auf­nah­men hinein, den Kopfhör­er im Ohr und erzählen par­al­lel dazu, was sie hören: “Und dann hab ich sie gefragt, ob ihre Krankheit sie sehr ein­schränkt. Und sie hat gesagt, ich leb’ nicht für oder gegen meine Krankheit, son­dern mit ihr.” Das  ist erzählte Geschichte auf der Bühne. Und auf eine Weise ist man froh darüber, dass diese Men­schen einen Raum bekom­men, dass ihr Leben erzählt wird, ihre Wün­sche, Träume, Sehn­süchte, Ent­täuschun­gen. Und auf der anderen Seite ist man gereizt von diesem Exper­i­ment, dieser kühlen Ver­such­sanord­nung, die pseu­do-nüchtern auf unseren Blick auf das Tabuthe­ma Tod abzielt. Auch hier die Ver­schränkung von Kun­st und Leben – oder bess­er: Ster­ben – aber ganz bewusst entza­ubert. Gefilmt. Dig­i­tal­isiert. Kom­men­tiert. Und durch die Beat­box gejagt.

Zwei mal drei Schaus­piel­er, zwei Insze­nierun­gen, ein Pub­likum, ein Blick. Zwei ganz unter­schiedliche Sichtweisen, was The­ater aus­macht, was die Bühne kann und darf. Eine ganz nüchterne Rech­nung. Gewon­nen hat beim Kör­ber Stu­dio Junge Regie der küh­le Blick, hat die Tech­nik, hat das Gerenne und die Pro­jek­tion. Die Begrün­dung der Jury: “Die Insze­nierung behan­delt das The­ma ‘Tod’ sehr sen­si­bel, span­nend und inter­es­sant. Es entste­ht kein ‘Betrof­fen­heit­sthe­ater’, was in erster Lin­ie der Tex­tentste­hung zu ver­danken ist. Bemerkenswert sind das Recherchev­er­fahren und die unter­schiedlichen auk­to­ri­alen Erzäh­lebe­nen sowie der gekon­nte Umgang mit medi­alen Mit­teln. Ein Abend, der mutig entsch­ieden in den Dienst eines The­mas gestellt wird: Einen Ort und eine Sprache für diejeni­gen zu find­en, die keine Stimme mehr haben.”

Bei­des hat seine Berech­ti­gung. Bei­des darf sein. Die Rezensentin betra­chtet das nüchtern. Und möchte trotz­dem immer noch gern verza­ubert wer­den im The­ater. Wenn nun bei einem Wet­tbe­werb der Regiehochschulen – also der Regiehand­schriften von mor­gen – die Sprache ohne Zauber gewin­nt – sagt das etwas aus über das The­ater, das wir wollen? Muss The­ater kün­ftig nüchtern in den “Dienst eines The­mas“ gestellt wer­den? Der Vorhang bleibt offen und alle Fra­gen auch.